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POR AMOR AL ARTE/ Ferias de arte bajo la lupa

Por Elizabeth Ambriz Olavarria, Presidenta de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (SOMAAP).

En el mundo del arte, las ferias juegan un rol protagónico.

Son plataformas de exposición. “Vitrinas” interactivas que le permiten a coleccionistas, curadores, artistas, especialistas y público en general, conocer las propuestas de galerías y de proyectos no lucrativos independientes.

Quien pretenda catapultar el arte local mira a las ferias de arte como las herramientas para lograrlo y generar la visibilidad de las propuestas e ideas de una determinada región.
No en vano, las ferias representan una oportunidad para los especialistas, comerciantes y creadores. No sólo tienen un impacto comercial y de compra-venta redituable, sino que generan los entornos idóneos para conocer propuestas, ideas y tendencias, para asomarse a un mundo nunca terminado y evolutivo de la expresión plástica.

Durante las ferias lo que se genera no es solamente un capital económico derivado de las ventas, sino también un capital simbólico: visibilidad con otros curadores y galeristas, conocer nuevos artistas y la más reciente producción de los ya conocidos.

Las ferias de arte son redes de colaboración en las que participan artistas, galeristas, promotores, prensa y un sinfín de partes interesadas de los ámbitos locales, nacionales e internacionales.

Sin embargo, estas “ventanas” al mundo ahora se colapsan: En 2001 había cerca de 50 ferias por año y en 2019 ascendió a más de 300 anualmente. Tal saturación puede generar exposiciones de mala calidad, sin una narrativa sólida, carentes de propuestas novedosas, conceptos reiterativos, poca originalidad y “abaratamiento” de las expresiones plásticas.

Así, las ferias deben tener como componentes esenciales la inclusión y diversidad, además de una curaduría que posicione la unicidad de cada artista en el mapa vertiginoso e inexplicable de los artistas que deben verse. Esto, dentro de una narrativa nueva y paradójicamente asequible.

La feria Zona Maco, por ejemplo, recientemente reunió 210 galerías procedentes de 25 países. Sin embargo, este universo de ideas debe buscar prevalecer en l mente y sentidos de los miles de espectadores.

No se trata de soluciones prontas para que el arte emergente aparezca, es vincular ideas nuevas a expresiones que trascendieron ya en el tiempo y en contextos predeterminados, es generar nuevas revaloraciones e impactar la piel, psique y propuestas del espectador.

Por supuesto, esto implica un gran reto para los organizadores de estas ferias y de quienes participan en ellas.

Después de la pandemia el arte cambia sustancialmente y se vuelve parte intrínseca de nuestros valores y vida. Las ferias, esas ventanas al mundo, no pueden desmarcarse de tales tendencias.

 

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POR AMOR AL ARTE / Museos de nuestra era

Por Elizabeth Ambríz Olavarria, Presidenta de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (Somaap).

A medida que nuestra sociedad adapta los sistemas de colaboración como forma de vida, se desdibujan instituciones seculares y espacios que se consideraban inamovibles, como los museos, antaño intocables, lejanos y conformados para una elite.

Al mismo tiempo, las colecciones artísticas dejan el monólogo de sus propuestas y voces y generan diálogos e involucramiento con sus públicos. Las expresiones monolíticas muestran aperturas nuevas centradas en la diversidad de gustos, credos y experiencias más allá del acotamiento cinco sensorial. Vivimos una era en la que el arte deja de ser una pieza coleccionable, sacra y ambigua y se integra a la cotidianeidad y disfrute sin cortapisas.

Bajo esta óptica, la arquitectura del museo se transforma radicalmente y se vuelve una pieza de arte en sí misma.

Así, el Museo Guggenheim de Nueva York presenta un edificio en forma de espiral que induce a explorar todas las colecciones y el espacio se vuelve complice de nuevas maneras de apreciar el arte.

La cercanía artística se verá reflejada en los museos a inaugurarse próximamente, como el Museo del Palacio de Hong Kong que se convertirá en un referente de la cultura china, mientras que en Emiratos Árabes Unidos se abrirá el Museo Nacional Zayed, dedicado a relatar los más relevantes acontecimientos de este país y el Museo Nacional de Oslo se convertirá en el más grande de la región Nórdica que contará con colecciones noruegas de arte antiguo, moderno y contemporáneo.

El reto en cada uno de ellos será que el arte no sólo se observe, sino que se viva y que las creaciones antiguas se adapten a los sistemas de vida actuales y tengan relevancia para los habitantes de nuestra era. Se trata de que los espacios alberguen a las expresiones de antaño como vigentes e incluso propositivas y nuevas.

Un museo que catapultará la nueva visión de cómo exhibir y vivir el arte aparecerá con el Gran Museo Egipcio, que será el recinto arqueológico más grande del mundo. Albergará una colección de más de 100 mil piezas de 7000 años de antigüedad.

El museo actual, entonces, se convierte en un puente entre raíces y porvenir, entre el pasado y una era llena de incertidumbre como la actual, pero también como conexión entre el artista y el público.

Hoy el espectador deja un papel inactivo y conforma parte de la obra. El museo, entonces, debe invitar a esa exploración y vivencia unipersonal y única con cada persona del público. No es jugar solo a combinar espacios y luz, urbanismo y naturaleza: es crear la materialidad para que despegue la percepción y los infinitos mundos que radican en cada uno.

 

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POR AMOR AL ARTE/ Obras de arte “desamparadas”

Por Elizabeth Ambriz Olavarria, Presidenta de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (SOMAAP)

*El 75% de las obras artísticas en México carecen de una póliza de seguro.

Aunque durante 2021 se pagaron 10 mdp por el robo de piezas protegidas en el país, es decir, 50% más de lo reportado un año antes, sólo el 15% del patrimonio cultural de México cuenta con un seguro. Paradójicamente, a nivel mundial se acelera el robo de obras de arte y bienes culturales en el mundo a raíz de la pandemia de Covid-19.
Según la Interpol, en América se registraron 668 delitos de robo en 2020, lo que representa 86% más que lo reportado un año antes, previo a la pandemia. Si: El arte se convirtió en un codiciado botín durante el confinamiento y aislamiento social.
Actualmente, las pólizas tienen muy pocas exclusiones y parten de la buena fe de los asegurados, ya que no es tan común que se roben las piezas. El problema es que cuando ocurre un hurto, el pago de la indemnización puede ser muy alto por el valor de la obra. Asimismo, no se sabe cuántos son los museos y las obras de arte qué hay en el país porque no existe un registro nacional de arte, por lo que se estima que 15% tiene una póliza en museos, galerías privadas, familias y empresas.
Seguramente es mucho menos de eso. Tan sólo la colección de arte privada que tiene Banamex puede estar valuada en más de 100 millones de dólares. Estos seguros especializados, en comparación con los de daños, cubren las obras “de clavo a clavo”, es decir, desde que se desmonta del lugar donde se exhiben normalmente, se envuelven, se exhiben en su lugar de destino y después se regresan a su lugar original.
Aunque en México actualmente hay aseguradoras nacionales e internacionales que se preocupan por desarrollar estos productos, hay muchos museos y galerías que no tienen cobertura. Esto porque empresas y dueños de las piezas consideran que las pólizas son muy caras. Sin embargo, la principal razón por la que no se asegura el arte es la falta de información de galerías y museos sobre el costo de una póliza.
Ahora, el coste de una póliza depende, en gran medida, de las características de la pieza y la “buena fe” de los asegurados. Una póliza que cubra daños por 10 millones de pesos, puede costar 25 mil pesos al año.
En México existe la tendencia de robo en los días feriados. Por lo regular el robo de arte se da en museos muy grandes y en exposiciones de mucho renombre y la mitad de los robos son efectuados por personas sin experiencia en ilícitos “por la aventura”, y la otra mitad son perpetrados por especialistas, en este último caso es casi imposible recuperar la pieza.
Las piezas que son sustraídas por especialistas suelen hacerse por encargo de gente de poder económico, político y personas que se dedican al crimen organizado.
Durante la pandemia de covid-19, los espacios de exposiciones que albergan arte tuvieron que cerrar o dejaron de tener ingresos, por lo que recortaron gastos en seguridad. Esto permitió robos de arte.
En 2020 Interpol confiscó un total de 854 mil 742 bienes culturales en todo el mundo, incluidos artículos numismáticos (monedas, dinero o medallas), cuadros, esculturas, objetos arqueológicos y material de biblioteca. Más de la mitad de estos objetos (en concreto 567 mil 465) fueron confiscados en Europa.

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POR AMOR AL ARTE/ Mercado, el infierno tan temido

Por Paul Achar Zavalza, artista plástico y Vocero de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (Somaap)

El mercado se convierte en el eje rector y destino final de la carrera de un artista. Pero también representa un temido infierno al alimentarse de un eterno e insatisfecho deseo.

Aunque de manera inicial puede percibirse como una riqueza inestimable, como los precios de las obras en las subastas internacionales, también puede condenar la expresión artística a las demandas comerciales.

En 2021 Sotheby’s vendió siete mil 300 millones de dólares, la cifra más alta en sus 277 años, mientras que Christie’s logró ingresar siete mil 100 millones de dólares, el más alto nivel de ventas en cinco años. Pareciera no haber límite en el arte. Lo increíble es que solo el uno por ciento de la población mundial tiene acceso a este sistema de inversión.

Durante algún tiempo se temió al desplome de los precios de las obras de arte contemporáneas, pero esto no ocurrió. Al contrario, el mercado creció y se convirtió en un poderoso sistema que legitima, manipula y hace crecer al artista. O lo destruye.

Tras la pandemia, el consumo multimillonario en arte se consolidó como un commodity de alto nivel.
Ante esto, vemos artistas que se convierten en hábiles negociantes e impulsores del valor económico de su obra. Ya no importa el papel de “genio”, “iluminado”, “revelado”, hoy el valor de una obra la determina el mercado.

Sin embargo, ante el boom del mercantilismo, el artista debe revisar su responsabilidad, cuestionar el papel que juega en la sociedad, de cara a sí mismo y al arte. En una era en la que dudamos de los valores trascendentes como la religiosidad, amor, conciencia social, el arte puede ser el último de los recursos para salvar y entender muchas cosas.

No todo es dinero. Sin embargo, sería muy difícil encontrar hoy a un artista que no valorara su obra a partir de lo que ve todos los días en el mercado del arte.

Y reitero: más que en el posicionamiento de mercado el artista no debe olvidar la trascendencia y lo sublime, más que un valor de mercado debe buscarse una expresión genuina, no valor de cambio ni objeto decorativo, no insulso objeto bonito sino voz del tiempo, credo, unicidad y expresión.

Conviene entonces dividir la creación del valor económico, y es imperativo generar un equilibrio que no vuelva el arte mercancía pero, al mismo tiempo, que el artista pueda tener retribuciones económicas a su obra. Es una tarea ardua y casi inextinguible.

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POR AMOR AL ARTE/ Pedagogía y muralismo

Por Paul Achar Zavalza, artista plástico y Vocero de la Sociedad Mexicana de autores de las Artes Plásticas (Somaap).

El muralismo es parte del gran acervo de México al mundo.
Retomo el análisis del periodista José Alfonso Suárez del Real y el paralelismo que establece entre la pedagogía y el arte.
El analista parte de la idea de Aristófanes de que “Educar a los hombres nos es como llenar un vaso, es como encender un fuego”.
Al iniciar este mes, en la Suprema Corte de Justicia de la Nación, el Gobierno de México conmemoró el centenario de la integración formal del muralismo mexicano al proceso educativo concebido por José Vasconcelos.
José Vasconcelos promovió, ante el candidato Obregón, la importancia de provocar una revolución cultural y educativa, cuyo eje fue fortalecer la escuela pública sobre las privadas y generar el acceso a las artes a través de las “misiones culturales” e integró las artes plásticas a la Universidad.
En ese momento se rescató el valor evangelizador de la pintura en los muros de los conventos de los frailes y se propuso a los artistas transformar los muros de la Escuela Nacional Preparatoria (San Idelfonso). Así la pintura monumental funcionó como memoria y origen de la raza cósmica que predicaba Vasconcelos.
Cuando el muro se convierte en instrumento educador, se democratiza el arte y se libera al artista del clasismo inherente al caballete. Al mismo tiempo, el muro recuperar el valor de la imagen histórica como parte del imaginario colectivo.
Más tarde, durante la Independencia, el muralismo encontró en el guanajuatense Diego Rivera a su precursor. En su obra “La Creación” -plasmada en el Anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria- se logró cumplir con el precepto pedagógico que el sabio Aristófanes otorgó a la educación de la humanidad.
Hoy, existe una tarea incipiente para librar al mundo de la obscuridad de una pandemia. Así como la mortandad revolucionaria y la pandemia española encontraron en el arte inspiración para no permitir hundirnos en la incertidumbre y el miedo, hoy el muralismo puede ser una voz que nos rescate de la voz, la obscuridad y el sin sentido.
Los creadores tenemos un papel fundamental para generar nuevas perspectivas de vida, compartir lo inefable e incluso una belleza que parece oculta cuando nos asola el peligro.
El muralismo en efecto implica encender un fuego, pero también es un aliciente a la proactividad de quien busca sentido y respuestas. Es compartir visiones únicas de la actual conformación del mundo y abrir esperanza en realidades más felices e incluyentes. Es el antídoto a la devastación del hombre y de su entorno.

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POR AMOR AL ARTE/ Tareas pendientes en propiedad intelectual

Por Paul Achar Zavalza, artista plástico y Vocero de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (Somaap)

Los derechos de autor y de propiedad intellectual deben remediar las infracciones de derechos y estimular la innovación y la creatividad. Se trata de un equilibrio que debe sostenerse de manera sistemática.

Uno de los desafíos institucionales de mayor envergadura para este año consiste en lograr una eficaz transición de la Administración General de Aduanas a la recientemente creada Agencia Nacional de Aduanas de México, que tendrá un papel clave en la detección y detención de productos falsificados en su tránsito hacia el país. Lo cierto es que el mecanismo desarrollado a lo largo de la última década presentaba ya niveles eficientes en la implementación de medidas en frontera, por lo que mantenerlos e incrementarlos aportaría un enorme beneficio en la lucha contra la piratería.

En este rubro identificamos el mayor nivel de respuesta que se requiere del aparato estatal, en particular de la Unidad de Lucha contra la Piratería de la FGR. Es claro que, en los últimos años hay una disminución significativa en los aseguramientos, campañas y presencia de este Sistema.

Se pasan por alto los altos costos que la piratería acarrea al sector productivo nacional, a la imagen del país hacia el exterior y a los propios consumidores.

En el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial, por otra parte, existe el reto de actualizar la instancia de dictaminación de daños y perjuicios por infracciones de patentes y marcas.

Se espera que este año haya más solicitudes de patentes y mayor protección de indicaciones geográficas, uso que progresivamente aumenta a lo largo y ancho del país.

Si algún tema del sector requiere ingeniería mayor es  franquicias, que pasa de los 15 años sin ningún ajuste.

No obstante, existe un tema que afecta particularmente a los creadores: la no regularización de la propiedad intellectual en Internet. El uso indiscriminado de imágenes incluso con usos comerciales, es un tema que debe atenderse, so pena que la producción gráfica decaiga.

Actualmente, México ocupa el secto lugar de mayor exportación de obras creativas en un ranqueo de los veinte más importantes a nivel global.